EL ARTE
INTRODUCCION
La pintura, la danza, la música y la escultura es un arte de expresarse visualmente, corporalmente y auditivamente.
Pero podemos interpretar que la pintura, la música, la escultura y la danza pesen a ser expresiones artísticas que están en el marco de la estética; actualmente se encuentran en vías de ir desapareciendo por cuanto la influencia de las culturas diversas del mundo globalizado ha ido permeándolas y perdiendo su esencia y su verdadero origen; tal como no lo expone algunas paginas de apoyo dadas en este curso en la que hace énfasis que expresiones artísticas como la pintura desde épocas antiguas han sido victimas de falsificación e igualmente sucede con las esculturas, lamúsica que a perdido su esencia con ritmos modernos que pierden su sentido en lo que quieren comunicar en su contenido o la perdida de la originalidad de los ritmos musicales modernos que se conjugan con el baile o la danza.
Esto es lo que nos quiere comunicar la estética desde un sentido crítico y real.
LA PINTURA
Analizando las paginas de apoyo y seleccionando como temática la Pintura y su historia se puede decir que ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran medida al resto de las artes plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo y en el espacio debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio – culturales y estéticos ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco y temple) o de oleo y al pastel e igualmente puede clasificarse según su género: retrato, paisaje y bodegón etc. La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.
Los pintores mas sobresalientes de la historia los podemos dar a conocer, no sin decir antes que no podemos descartar a los que no figuran en esta lista.
PABLO PICASSO (1881-1973) – Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.
GIOTTO DI BONDONE (c.1267-1337) – Se ha dicho que Giotto fue el primer pintor verdadero, al igual que Adán fue el primer hombre. Estamos de acuerdo en lo primero. Giotto continuó el estilo bizantino de Cimabue y otros predecesores, pero se ganó el derecho a figurar con letras de oro en la historia de la pintura al dotar a sus obras con una cualidad casi desconocida hasta la fecha: la emoción.
LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar.
PAUL CÉZANNE (1839-1906) – “Cézanne es el padre de todos nosotros”. Esta lapidaria frase ha sido atribuida tanto a Picasso como a Matisse, y ciertamente importa poco quién la dijera en realidad, porque en cualquier caso es cierta. Partiendo de la ola de aire fresco que representó el impresionismo, Cézanne dejó atrás a todo el grupo impresionista para desarrollar un estilo de pintura nunca visto hasta la fecha, que abrió la puerta de par en par para la llegada del cubismo y el resto de las vanguardias del siglo XX.
Auto retrato
REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) – El fascinante, magnético juego de luces y sombras de sus obras parecen un reflejo de su vida, que pasaba de la fama al olvido mientras su técnica no hacía más que mejorar. Sus autorretratos, de largo los más fascinantes de la historia de la pintura, nos hablan de un pintor sincero y honesto, un maestro capaz de penetrar en la mente del mayor desconocido: uno mismo.
DIEGO VELÁZQUEZ (1599-1660) – Junto con el anterior, una de las cumbres de la pintura barroca. Pero a diferencia del holandés, el artista sevillano se movió casi toda su vida dentro de la cómoda, pero también rígida, sociedad cortesana. A pesar de ello, Velázquez fue un renovador, un “pintor de atmósferas” casi dos siglos antes que Turner o los impresionistas, y lo plasmó tanto en las colosales pinturas de cámara (“Meninas”, “La fragua de Vulcano”) como en los audaces e inolvidables bocetos de la Villa Médicis.
WASSILY KANDINSKY (1866-1944) – Aunque el título de “padre de la abstracción” ha sido asignado a múltiples artistas, desde Turner hasta Picasso, pocos pintores podrían reclamarlo con tanta justicia como Kandinsky. Muchos artistas han conseguido emocionar, pero muy pocos han logrado, además, cambiar nuestra manera de entender el Arte. Wassily Kandinsky pertenece a estos últimos.
CLAUDE MONET (1840-1926) – La importancia de Monet dentro de la historia del Arte se ve en ocasiones “olvidada” por el hecho de que ante su obra el espectador tiende a ver solo la irresistible belleza que emana del lienzo, olvidando el complejo estudio que Monet hacía de la pintura (un “defecto” que el propio Monet propició al declarar “no entiendo por qué la gente quiere entender mis pinturas, cuando es suficiente con disfrutarlas). No obstante, los experimentos de Monet, en particular sus estudios sobre los cambios de luz sobre un mismo objeto a lo largo del día, y la cualidad casi abstracta de sus “nenúfares” son un prólogo evidente al Arte del siglo XX.
CARAVAGGIO (1571-1610) – El pendenciero y violento Caravaggio está considerado el padre de la pintura barroca, con sus espectaculares juegos de luces y sombras y sus escenas “tenebristas” captadas en perspectivas forzadas.
JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775-1851) – “Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas…”, escribió un crítico de la época sobre William Turner, el más grande paisajista de todos los tiempos. Los experimentos de Turner durante sus últimos años, cercanos ya a la abstracción, están entre lo más adelantado a su tiempo que se haya visto en la historia del Arte.
JAN VAN EYCK (1390-1441) – Van Eyck es el colosal pilar sobre el que se apoya toda la pintura flamenca de los siglos posteriores, un genio de la precisión, la perspectiva y la meticulosidad, muy por encima de cualquier otro artista de su época, sea flamenco o italiano.
ALBERTO DURERO (1471-1528) – El verdadero Leonardo da Vinci del Norte de Europa fue Durero, un genio inquieto e innovador, maestro del dibujo y el color. Es uno de los primeros artistas en representar la naturaleza sin artificios, tanto en sus paisajes como en sus dibujos de plantas y animales.
JACKSON POLLOCK (1912-1956) – La gran figura del expresionismo abstracto y el pintor que divide el siglo XX entre vanguardias y post-vanguardias. Sus “drips“del periodo 1947-1952 son uno de los grandes momentos del Arte contemporáneo.
MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura.
PAUL GAUGUIN (1848-1903) – Una de las figuras más fascinantes de la historia de la pintura, su obra se movió entre el impresionismo (que pronto abandonó) y el simbolismo, colorista y vigoroso, de sus obras en la Polinesia. Hoy en día, Matisse y el fauvismo no pueden comprenderse sin la obra de Gauguin.
FRANCISCO DE GOYA (1746-1828) - Goya es un enigma. En toda la historia del Arte pocas figuras resultan tan complejas para el estudio como el genial artista nacido en 1746 en Fuende todos. Inquieto e inclasificable, pintor sin rival en toda su vida, Goya fue pintor de corte y pintor del pueblo. Fue pintor religioso y pintor místico. Fue autor de la belleza y erotismo de La Maja desnuda y del explícito horror de Los fusilamientos del 3 de Mayo. Fue pintor al óleo, al fresco, dibujante y grabador. Y nunca paró su metamorfosis.
VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán
ÉDOUARD MANET (1832-1883) – Manet fue el faro del Impresionismo, un revolucionario dentro de una época de grandes revoluciones artísticas. La “Olimpia” o “El desayuno sobre la hierba” abrieron el camino para las grandes figuras del Impresionismo.
MARK ROTHKO (1903-1970) – La influencia de Rothko en la historia de la pintura aún está por cuantificar, pues lo cierto es que casi 40 años después de su muerte la influencia de las grandes masas de color y emoción de los lienzos de Rothko sigue en aumento en muchas de las primeras tendencias pictóricas del siglo XXI.
HENRI MATISSE (1869-1954) – La crítica tradicional tiende a considerar a Matisse como el mayor exponente de la pintura del siglo XX junto a Picasso. Quizás sea exagerado, aunque es cierto que el uso casi puro del color en algunas de sus obras influyó enormemente en muchas de las vanguardias posteriores.
RAFAEL (1483-1520) – Idolatrado y denostado según gustos y eras, nadie puede dudar que Rafael es uno de los mayores genios del Renacimiento, con una técnica excelente en cuanto a dibujo y color.
JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) - Basquiat es, sin duda, el más importante y conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80, una corriente artística cuya influencia –enorme, desde luego- en la pintura posterior todavía está por medir.
EDVARD MUNCH (1863-1944) – Modernista por su contexto, Munch podría ser considerado además el primer pintor expresionista de la historia. Obras como “El grito” son claves para comprender la pintura del siglo XX.
TIZIANO (c.1476-1576) – La muerte prematura de Giorgione convirtió al longevo Tiziano en el faro de la pintura veneciana de su época. Su uso del color y gusto por los temas mitológicos definen por si mismo las características principales del Arte veneciano del XVI. Su influencia en artistas posteriores –Rubens, Velázquez- es importantísima.
PIET MONDRIAN (1872 -1944) – Junto con Kandinsky y Malevich, Mondrian es la principal figura de la primera abstracción pictórica. Tras emigrar a Nueva York, Mondrian dota a la abstracción de una velada cualidad emocional, como se ve en su serie de “boogie-woogies” realizada en la década de los 40
PIERO DELLA FRANCESCA (1416-1492) - Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”. Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte
PETER PAUL RUBENS (1577-1640) – Rubens fue uno de los más prolíficos pintores de toda la historia, en parte gracias a la colaboración de su estudio. Muy famoso en vida, viaja por toda Europa satisfaciendo encargos de muy acaudalados e importantes clientes. Sus desnudos femeninos siguen sorprendiendo hoy en día
ANDY WARHOL (1928-1987) – Polémico y brillante, Warhol es la principal figura del pop-Art y uno de los iconos del Arte contemporáneo. Sus serigrafías en serie de personajes populares (como una reinterpretación de las series de Monet) han pasado ya a la historia del Arte, y han influenciado a una gran parte de la pintura posterior
JOAN MIRÓ (1893-1983) – Como casi todos los genios, Miró es un artista inclasificable. Su interés por el mundo de lo inconsciente, lo oculto en el fondo de la mente, lo acerca al surrealismo, pero con un estilo personal, a veces más cercano al fauvismo o expresionismo, llegando hasta el punto de pasar largas temporadas sin ingerir alimentos para provocar un estado mental alterado que pudiera expresar aquello que Miró buscaba plasmar en sus pinturas
TOMASSO MASACCIO (1401-1428) – Pintor malogrado, pasará a la historia de la pintura como uno de los primeros en aplicar a sus obras las leyes de la perspectiva científica. Uno de los grandes renovadores de la pintura del temprano Renacimiento.
MARC CHAGALL (1887-1985) – Artista de sueños y fantasías, Chagall fue toda su vida un inmigrante fascinado por las luces y colores de los lugares que visitaba. Pocos nombres de la Escuela de París de principios del siglo XX han contribuido tanto y con tal variedad a cambiar el Arte del siglo XX como este extranjero “impresionado por la luz”, como el mismo se definía.
GUSTAVE COURBET (1819-1877) – Figura principal del realismo, y claro precedente de los impresionistas, Courbet es uno de los mayores revolucionarios –tanto a nivel artístico como en su faceta de activista social- de la historia de la pintura. Al igual que Rembrandt y otros predecesores, Courbet no buscó crear belleza, sino que consideraba que la belleza más pura era representar la realidad sin artificios.
NICOLAS POUSSIN (1594-1665) – El más grande de los pintores del barroco francés, Poussin ejerció una influencia vital sobre toda la pintura gala de siglos posteriores. Su uso del color es único entre todos los pintores de su era
WILLEM DE KOONING (1904-1997) – Tras Pollock, la figura principal del expresionismo abstracto, aunque una de sus mayores aportaciones fue no sentirse atado por la abstracción, y recurrir frecuentemente a una figuración desgarradora (su serie de “Mujeres”, por ejemplo) de gran influencia en artistas como Bacon o Freud.
PAUL KLEE (1879-1940) – En un periodo artístico de revoluciones e innovaciones, pocos artistas fueron tan determinantes como Paul Klee. Sus estudios sobre el color, que enseñó en la Bauhaus, son únicos entre los artistas de la época
FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente –junto a Lucian Freud- de la llamada “Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado con la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época.
FRANCIS BACON (1909-1992) - Máximo exponente –junto a Lucian Freud- de la llamada “Escuela de Londres”, la pintura de Bacon se rebela contra todos los cánones de la pintura anterior, no sólo en lo relacionado co
n la belleza, sino también contra la abstracción del expresionismo abstracto dominante en la época.
GUSTAV KLIMT (1862-1918) – A medio camino entre el modernismo y el simbolismo aparece la figura de Klimt, quien también se dedicó a las artes industriales. Sus paisajes casi abstractos le convierten, además, en un predecesor de la abstracción geométrica.
EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) – Es la figura clave del romanticismo pictórico y una influencia vital para el impresionismo francés. “La Libertad guiando al pueblo” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época
PAOLO UCCELLO (1397-1475) – “Qué dulce amante es la perspectiva”. Esta frase atribuida a Uccello resume por sí misma la mayor obsesión de este extraño artista: los avances que el descubrimiento de la perspectiva científica suponía para la pintura del Quattrocento
WILLIAM BLAKE (1757-1827) – Místico y revolucionario, pintor y poeta, Blake es una de las figuras más fascinantes del Arte de cualquier era. Sus acuarelas, grabados y témperas rebosan una imaginación (casi locura) sin parangón entre los artistas de su era
KAZIMIR MALEVICH (1878-1935) –Creador del suprematismo, Malévich será por siempre una de las figuras más polémicas de la historia del Arte entre el gran público, que se divide entre aquellos que lo consideran un renovador imprescindible y aquellos que consideran que sus obras basadas en polígonos de colores puros no merecen ser considerados obras de Arte
ANDREA MANTEGNA (1431-1506) – Uno de los mayores exponentes del Quattrocento, interesado en la figura humana, que representa en muchas ocasiones bajo perspectivas extremas (“El Cristo muerto”)
JAN VERMEER (1632-1675) – es el principal exponente de la Escuela del Delft, y por derecho propio figura entre los grandes paisajistas de todos los tiempos. Obras como “Vista del Delft” se consideran como casi impresionistas por la viveza de su pincelada. También fue un hábil retratista
EL GRECO (1541-1614) – Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas.
CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) – Figura principal del romanticismo pictórico alemán, aún hoy se le identifica como el pintor de los paisajes de soledad y angustia, con figuras humanas enfrentadas a la magnificencia de la naturaleza
WINSLOW HOMER (1836-1910) – La principal figura de la pintura americana de su era, Homer supuso un soplo de aire fresco para la escena americana, que se encontraba entre el academicismo y el casi romanticismo de la Escuela del Río Hudson. El trazo suelto y alegre de Homer le acerca al impresionismo
MARCEL DUCHAMP (1887-1968) – Una de las principales figuras del dadaísmo y ejemplo de artista total, Duchamp es una de las figuras más importantes y polémicas de su era. Su contribución a la pintura es tan solo una mínima parte de su contribución al mundo del Arte
GIORGIONE (1478-1510) - Como tantos otros pintores malogrados Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta dónde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea
FRIDA KAHLO (1907-1954) – La fama que ha alcanzado su figura casi trágica en los últimos años parece oscurecer la importancia que Frida tuvo en el Arte latinoamericano. Marcada desde pequeña por las secuelas físicas de un accidente de autobús, los autorretratos de Kahlo parecen lamentos silenciosos.
HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497-1543) – Tras Durero, el más grande de los pintores alemanes de su época, el fascinante retrato de “Los embajadores” sigue siendo una de las pinturas más enigmáticas de la historia del Arte
EDGAR DEGAS (1834-1917) – No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX
FRA ANGELICO (1387-1455) – Uno de los mejores coloristas del temprano Renacimiento, y quizás el primero en evolucionar los avances realizados por Giotto di Bondone
GEORGES SEURAT (1859-1891) - Georges Seurat es uno de los más importantes pintores post-impresionistas, y está considerado como el creador del "puntillismo", un estilo de pintura en el que pequeños puntos de colores primarios crean la impresión de masas de colores secundarios e intermedios
JEAN-ANTOINE WATTEAU (1684-1721) – Watteau está considerado hoy en día como uno de los pioneros del rococó. Lamentablemente, murió en su máxima plenitud artística, como demuestra el genial retrato de “Gilles” realizado el año de su muerte
SALVADOR DALÍ (1904-1989) – “¡No podéis expulsarme porque yo soy el surrealismo!”, bramó Dalí cuando André Breton lo expulsó del movimiento surrealista por sus ideales fascistas. Aunque la frase suene presuntuosa (lo que nunca fue inusual en Dalí), lo cierto es que las pinturas de Dalí son hoy en día las imágenes más famosas de todo el surrealismo.
MAX ERNST (1891-1976) – A medio camino entre el surrealismo y el dadaísmo aparece el nombre de Max Ernst, importante en ambas tendencias. Ernst fue un valiente explorador artístico que contó con el apoyo del mecenas Peggy Guggenheim, con quien estuvo casado
TINTORETTO (1518-1594) - Tintoretto es el más ambicioso de los maestros venecianos (aunque no el mejor, ese honor sólo puede ser reclamado por Tiziano o Giorgione) y su magna obra culmina no solo el esplendor veneciano hasta la era de Canaletto, sino que le convierte también en el último de los maestros del Cinquecento.
JASPER JOHNS (n.1930) – La última leyenda viva del temprano Pop-Art, aunque él nunca se ha considerado como tal. Sus obras más famosas son las de la serie “Flags (banderas)” y “targets (dianas)”
SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) – “Si Botticelli viviera, trabajaría para Vogue”, se ha escrito de uno de los artistas más famosos del quattrocento. Comparte con Rafael el hecho de ser amado u olvidado según gustos y eras, pero su uso del color es uno de los más fascinantes de toda la pintura antigua
DAVID HOCKNEY (n. 1937) - David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región
UMBERTO BOCCIONI (1882-1916) – La máxima figura del futurismo italiano, fascinado por el mundo de la máquina, en continuo movimiento, un símbolo de los nuevos tiempos contemporáneos
JOACHIM PATINIR (1480-1524) – Mucho menos dotado técnicamente que otros pintores flamencos como Memling o Van der Weyden, su contribución a la historia del Arte es vital por la incorporación del paisaje como elemento principal de la obra
DUCCIO DA BUONISEGNA (c.1255/60 – 1318/19) – Mientras Giotto di Bondone cambiaba en Florencia el rumbo de la historia de la pintura, Duccio de Buonisegna también aportaba un soplo de aire fresco a la importante escuela sienesa.
ROGER VAN DER WEYDEN (1399-1464) – Tras Van Eyck, el principal exponente de la pintura flamenca del siglo XV, maestro de la perspectiva y la composición
JOHN CONSTABLE (1776-1837) – La gran figura del paisajismo inglés, junto con Turner. Sus propias autolimitaciones (jamás salió de Inglaterra) impiden que este artista de gran técnica ocupe un puesto similar al del anterior en la historia de la pintura
JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825) – David es la cumbre del neoclasicismo, cuyas composiciones grandiosas parecen un reflejo de su ajetreada y revolucionaria vida
ARSHILLE GORKY (1905-1948) – Pintor de orígenes armenios, partiendo del surrealismo fue uno de los primeros artistas en abrazar el expresionismo abstracto. Fue llamado “el Ingres del inconsciente”
HIERONYMUS BOSCH (EL BOSCO) (1450-1516) – El Bosco es una de las figuras más fascinantes de la pintura antigua. Profundamente religioso, El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. Para ello crea obras como “El tríptico de las delicias”, considerado por algunos como un prólogo al surrealismo
PIETER BRUEGEL EL VIEJO (1528-1569) - Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior
SIMONE MARTINI (1284-1344) – Uno de los grandes pintores del Trecento italiano, fue un paso más allá al contribuir a expandir los avances de éste, dando lugar al llamado “Estilo Internacional”
Frederic Edwin Church (1826-1900) - Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera línea como Monet o Cézanne
EDWARD HOPPER (1882-1967) – Hopper pasará a la historia de la pintura como el pintor de la soledad urbana. Su obra más famosa, el célebre “Nighthawks” (1942) se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX.
LUCIO FONTANA (1899-1968) – Padre del “Manifiesto Blanco”, que afirma que "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo Arte". Sus “conceptos espaciales” son ya un icono del arte de la segunda mitad del siglo XX
FRANZ MARC (1880-1916) – Tras Kandinsky, la gran figura del grupo expresionista “El jinete azul” y uno de los más importantes pintores expresionistas. Su muerte prematura acaeció en plena evolución artística, cuando su uso del color anticipaba ya la abstracción
PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919) – Otro de los grandes nombres del Impresionismo que pronto abandonó el movimiento para seguir una línea más personal, más similar al academicismo
JAMES MCNEILL WHISTLER (1856-1921) – Junto con Winslow Homer la gran figura de la pintura americana de su época. Whistler fue un excelente retratista, destacando el retrato de su propia madre, considerado como una de las grandes obras maestras de la pintura americana
THEODORE GÉRICAULT (1791-1824) – Figura clave del romanticismo, de vida y obra revolucionaria pese a sus orígenes burgueses. “La balsa de la medusa” es una de las primeras obras de denuncia contra el poder que ha dado la pintura.
WILLIAM HOGARTH (1697-1764) – En una lista de los grandes retratistas de todos los tiempos nunca debería faltar la figura de Hogarth, cuyos estudios y bocetos podrían clasificarse incluso de preimpresionistas.
CAMILLE COROT (1796-1875) – Una de las grandes figuras del realismo francés del XIX y sin duda alguna una de las mayores influencias para los impresionistas como Monet o Renoir, gracias a su amor por representar la naturaleza al aire libre, haciendo hincapié en el uso de la luz.
GEORGES BRAQUE (1882-1963) – Junto con Picasso y Juan Gris, la principal figura del cubismo, la más importante de las vanguardias artísticas del siglo XX.
HANS MEMLING (1435-1494) – Quizás el más completo de los pintores flamencos del siglo XV, aunque no tan innovador como Van Eyck o Van der Weyden.
GERHARD RICHTER (n.1932) – Uno de los artistas más importantes de las últimas décadas, Richter es tan conocido por sus fieras abstracciones llenas de color como por sus serenos paisajes y escenas de velas.
AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) – Uno de los retratistas más originales de la historia de la pintura, considerado como un pintor “maldito” por su ajetreada vida y su muerte prematura
GEORGES DE LA TOUR (1593-1652) – La influencia de Caravaggio es evidente en De la Tour, cuyo empleo de la luz y la sombra es único entre los pintores barrocos de su era
ARTEMISIA GENTILESCHI (1597-1654) – Su talento se halla entre los mayores del temprano barroco, deudor de Caravaggio
JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875) – Una de las figuras principales de la Escuela de Barbizon, autor de una de las obras más emocionantes de la pintura del XIX: El “Ángelus”.
FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664) – El más cercano a Caravaggio de todos los barrocos españoles, sus últimas obras muestran un dominio del claroscuro sin parangón en la pintura de su tiempo.
CIMABUE (c.1240-1302) – Pese a que en algunas obras Cimabue representa ya una evolución al rígido arte bizantino, su mayor contribución a la pintura fue el descubrir (cuenta la leyenda que pintando ovejas con una tiza sobre una roca) a un joven talento llamado Giotto, que cambiaría para siempre la pintura occidental.
JAMES ENSOR (1860-1949) – Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo convierten en un precursor del expresionismo.
RENÉ MAGRITTE (1898-1967) – Una de las principales figuras del surrealismo, sus obras aparentemente simples surgen de una compleja reflexión sobre la realidad y el mundo de los sueños
EL LISSITZKY (1890-1941) – Uno de los principales exponentes de la vanguardia rusa, influenciado por Malevich, que también destacó en el diseño gráfico
EGON SCHIELE (1890-1918) – Otro artista malogrado, sus desgarradores retratos influyeron en obras de artistas posteriores, como Freud o Bacon
DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882) – Posiblemente la figura clave del movimiento prerrafaelista, Rossetti abandonó la poesía para dedicarse a una pintura de aire clásico que influiría en el simbolismo posterior.
FRANS HALS (c.1580-1666) – Uno de los retratistas más importantes de todos los tiempos, su estilo suelto y desenfadado influyó en el temprano impresionismo.
CLAUDIO DE LORENA (1600-1682) – Sus paisajes ejercieron una influencia vital sobre el paisajismo de siglos posteriores, tanto en Europa (Corot, Courbet) como América (Escuela del Río Hudson).
ROY LICHTENSTEIN (1923-1977) – Junto con Andy Warhol el exponente más conocido del Pop-Art, a menudo identificado con el mundo del comic, idea que el rechazaba “por ligera que pueda parecer la diferencia”.
O'KEEFE, GEORGIA (1887-1986) – Figura clave de la pintura americana del siglo XX, O'Keefe redefinió por si sola el arte del oeste americano.
GUSTAVE MOREAU (1826-1898) – Una de las figuras claves del simbolismo, introvertido y misterioso en vida, pero de gran libertad y colorido en sus obras.
GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) – Considerado el padre de la pintura metafísica y una importante influencia para el movimiento surrealista.
FERNAND LÉGER (1881-1955) – Partiendo del cubismo, Léger se ve cada vez más atraído por el mundo de la máquina y el trabajo, que plasma en obras como “Los discos” (1918).
JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES (1780-1867) – Ingres fue el más destacado discípulo del neoclasicismo de David, por lo que no puede considerarse un pintor renovador. Sí fue, por el contrario, un maestro del retrato clásico.
LOS MEJORES PINTORES DE COLOMBIA
ALEJANDRO OBREGÓN
(Barcelona, 1920 - Cartagena 1992). Desde su niñez vivió en Barranquilla. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. Al regresar de España en 1944 participó en el V Salón Nacional de Arte con gran éxito. La crítica denominó a su mundo "expresionismo mágico".
Su obra contempla algunas fases decisivas. Al comienzo fue naturalista y en ocasiones expresionista. A partir de 1947 exploró el cubismo, donde una perspectiva singular reinó en sus composiciones. A comienzos de la década del sesenta Obregón alcanzó la fuerza de su estilo. Su consagración no se hizo esperar y ganó en dos ocasiones el primer premio de pintura del Salón nacional (1962, 1966), con su cuadro "Violencia" e "Ícaro y las avispas", respectivamente. Maestro del óleo en sus comienzos, se dedicó en su última etapa al acrílico, lo cual para algunos estudiosos “lo que ganó en libertad formal lo perdió en poder expresivo”.
Pintor de la violencia, pero también del sueño, es una de las piedras angulares del arte realizado en Colombia. Fascinado por la pintura mural, realizó obras de gran reconocimiento en el Senado de la República y en la Biblioteca Luis Ángel Arango.
LUIS CABALLERO
La pintura de Luis Caballero es expresionista; en esta categoría estética ya puede trazarse una línea que va desde Fernando Botero hasta él, pasando por Norman Mejía y Pedro Alcántara. Su intención es expresar el cuerpo humano a través de un fuerte erotismo que, a diferencia de las formas crudamente físicas de las formas de Mejía, es más un clima que una presencia identificable. Este clima lo logra desprendiendo a la figura tanto de la acción como del concepto de utilidad; nadie hace cosas, nadie tiene finalidades.
Luis Caballero (Bogotá 1943- 1995). Dibujante, grabador y pintor. Estudió Bellas Artes en la Universidad de los Andes de Bogotá donde recibió clases de Juan Antonio Roda y Marta Traba. Su primera exposición compuesta por veinte obras fue colgada en la galería Tournesol, donde reconoció los efluvios de Bacon. En 1966 contrajo matrimonio con la artista norteamericana Terry Guita. Trabajó como profesor de pintura en la Universidad Tadeo Lozano y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Los Andes.
En 1968 ganó el premio en la Bienal de Coltejer en Medellín con la obra “La cámara del amor”, conformada por múltiples paneles que involucraban al espectador, pieza hace parte de la colección permanente del Museo de Antioquia. Posteriormente se radica en París donde su pintura alcanza el carácter erótico que lo consagraría. La soledad y el dolor de sus personajes entrelazados se hacen recurrentes en sus telas y dejan la impronta de la destrucción amorosa, de la incomunicación, de una desgarradura irreductible, que nunca lo abandonaría.
En 1973 expuso nuevamente en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en 1974 en La Tertulia en Cali. Los años siguientes realizó importantes exposiciones en la Galería Albert Loeb de París y en la Belarca de Bogotá. Representó a Colombia en la Bienal de París en 1969; en la de Sao Paulo en 1973 y en la de Venecia en 1984. Ilustró los libros: "Poemas para un cuerpo", de Luis Cernuda y "Le Chateau de Hors" del gran poeta francés Bernard Noël, Ediciones Fata Morgana, Francia. La colección del banco de la República dedicó una sala obras suyas de gran formato. Murió en Bogotá en 1995 después de inaugurar una amplia exposición sobre papel conformada por un centenar de obras.
FERNANDO BOTERO
Por Marta Traba
(Comentario sobre la exposición de Botero en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en 1964)
"El mayor problema que plantea la muestra de Botero es el de la fealdad; es difícil de aceptar porque se refiere a una apariencia; está maltratando únicamente la superficie, el volumen o la dimensión normal de las cosas. No es una fealdad moral, de adentro, de contenidos, que traduciendo la esencia dramática del hombre llega a producir monstruos. Nada de eso: la fealdad de las figuras de Botero es lo que está, ni más hondo ni más lejos de lo que está. Se presenta como una invención enorme y mítica de formas nuevas, tan distintas a las reales que no aceptan con ellas comparación alguna. El Papa negro no es la caricatura de tal o cual personaje vivo. No; es un volumen que a fuerza de crecer, de avasallar, de ocupar compulsivamente el espacio y de eliminar cualquier punto de referencia, llega a asumir perfectamente el papel de todo. Cada forma de Botero pretende ser, así, un mundo total. En el artista convive también el poco ceremonioso cuentero antioqueño, lleno de sentido del humor... En sus cuadros es fascinante leer un sinnúmero de historias en las que, como en los cuentos, la culebra, la mosca o la manzana están ahí porque se necesitaban para completar la composición".
Fernando Botero. (Medellín, 1932). Es el pintor, escultor y dibujante colombiano más reconocido en el planeta. En 1948 se inicia como ilustrador en el periódico El Colombiano, y participó en su primera colectiva. En 1951 obtuvo el Primer Premio del salón Nacional de Artistas. En 1952 comenzó sus estudios en la Academia de San Fernando de Madrid y en este aprendizaje copió obras de Velásquez, Goya y Rubens, definitivas para su formación. Posteriormente viajó por Europa y estudió en Florencia las técnicas de la pintura al fresco. Tras su regreso de Italia expuso su trabajo en Bogotá el cual levantó una crítica adversa. En 1956 contrajo matrimonio con Gloria Zea y partió para México donde conoció a Rufino Tamayo y a José Luis Cuevas. Allí encontró el verdadero camino de su arte y empezó a buscar la estética de lo monumental que hoy lo define en el mundo. En 1957 viajó a Estados Unidos donde realizó su exitosa exposición en el Pan-American Unión de Washington. En 1958 fue nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá y ganó el segundo premio del Salón Nacional con la obra Alcoba nupcial.
En 1961 regresó a Nueva York y vendió su obra Mona Lisa a los doce años al mítico Museo de Arte Moderno de esa ciudad. En 1966 expuso en Alemania y después inauguró una serie de exposiciones por toda Europa que lo llevaron a ser uno de los pintores más cotizados del mundo. En 1974 murió en un accidente de tránsito su hijo Pedrito, nacido de su segundo matrimonio con Cecilia Zambrano, lo cual fue un golpe devastador para el artista exorcizado en numerosas obras. En 1973 se instaló en París y en 1983 abrió casa en Pietra Santa (Italia) donde aún tiene su taller de escultura. Su obra comenzó a ser requerida por los museos más importantes de Europa y América y se convirtió en un referente universal. En los Campos Elíseos de París presentó una muestra de su escultura monumental, así como en la Gran Avenida de Nueva York, en el Paseo de los Recoletos de Madrid y en otras avenidas emblemáticas de las ciudades más importantes del mundo. En 2004 expone su serie "Una mirada diferente" alusiva a la violencia que padece Colombia, donde los carro-bombas, las masacres y los guerrilleros son protagónicos. La serie de "Abu Ghraib" con ocho decenas de cuadros representa los horrores de la invasión de los Estados Unidos a Irak y fue inaugurada en Roma con gran detonancia internacional. En 1998 donó 123 obras de su autoría y 87 de grandes artistas del mundo al Museo Botero en Bogotá. En el año 2000 hizo una gran donación de obras suyas y 21de artistas reconocidos al Museo de Antioquia. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Pietra Santa
DÉBORA ARANGO
Nacida en la Medellín de principios del siglo pasado (1910), desde muy pequeña dejó ver su enorme talento artístico. Decidida a dedicarse a la pintura, ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín pero se retiró dos años después por considerar su formación “demasiado convencional”. Expuso por primera vez en 1937 y dos años más tarde sus desnudos comenzaron a revolucionar la sociedad antioqueña, que no tardó en poner el grito en el cielo. Enfrentada a los prejuicios y el rechazo de la sociedad, Arango salió del país en varias ocasiones –vivió en Estados Unidos, México, Madrid, Inglaterra, Escocia, París y Austria–, pero siempre regresó. La reivindicación de su obra llegaría, finalmente, en 1984, gracias a una retrospectiva que se montó en el Museo de Arte Moderno de Medellín. Murió en diciembre del 2005.
EDGAR NEGRET
Edgar Negret (Popayán, Colombia, 1920). Escultor y pintor. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. En sus inicios conoció al escultor vasco Jorge Oteiza quien le abrió el horizonte artístico de su época. En su etapa de aprendizaje realizó en yeso las cabezas de los poetas Walt Whitman, Guillermo Valencia, Porfirio Barba Jacob y Gabriela Mistral, donde ya era notable el refinamiento de su técnica.
Al asistir en París a la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret comenzó a utilizar el hierro. De 1953 a 1963 se instaló en Nueva York donde inició su serie Aparatos mágicos, de fundamental importancia en su búsqueda estética. En 1963 participó en el XV Salón Nacional de Artistas y ganó el primer premio con su obra titulada Vigilante celeste. Durante los años sesentas trabajó en Los navegantes y Los puentes, conjuntos escultóricos donde su estilo se encuentra completamente definido. El aluminio será en adelante parte fundamental de su obra. En los años siguientes realizó sus exposiciones: Cabo Géminis, Acoplamientos, Templos, Columnas y Escaleras. Posteriormente rindió homenaje a sus raíces realizando la serie de Los Andes donde son visibles las alusiones Incas y donde la abstracción de la topografía suramericana es protagónica. En 1974 expuso en Corcoran Gallery, Washington D.C. En 1979 su obra participó en la FIAC, Paris. El año siguiente inauguró una muestra en la Fundación Joan Miró, Barcelona, España. En 1982 expuso en Contemporary Sculpture Center Tokio, Japón, y posteriormente en la Gobernación de Caracas, Venezuela. En 1991 presentó una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Monterrey y en el Rufino Tamayo, de México. En 1995 colgó su obra en el Festival Internacional de Biarritz, Francia. En 1999 expuso en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En el año 2000 los escritores Gonzalo Márquez Cristo y Amparo Osorio realizaron una entrevista titulada: "El Nosferatu sagrado" para homenajear los 80 años del artista. En 2004 publicó su libro Negret, escultor. En 2009 inauguró su exposición Poética del silencio, en la galería Mundo de Bogotá.
Negret, considerado uno de los escultores más renovadores y fecundos de Colombia, fue galardonado en 1965 con la Medalla de Plata de la VIII Bienal de Arte, Sao Paulo, Brasil; en 1967 recibió el Gran Premio en escultura del XIX Salón de Artistas Nacionales; en 1968 le fue otorgado el Gran Premio de Escultura, David Bright, en la Bienal de arte de Venecia, Italia; y en 1975 obtuvo la beca Guggenheim.
DAVID MANZUR
Por José Chalarca
El nombre de Manzur como el de las ciudades árabes apunta directamente a la leyenda y al ensueño. Y casi toda su obra pictórica es consecuente con la significación ensoñadora y legendaria que entraña su nombre.
Al recorrer de su mano los estadios de su creación se percibe, no sin asombro, que ha logrado esquivar prodigiosamente la atadura del tiempo y la limitación del espacio.
Fiel a la figuración, con apenas un pequeño paréntesis de abstraccionismo y una breve estancia en el expresionismo, sus naturalezas muertas, sus bodegones, sus caballeros, sus mártires, sus corceles llegan desde su entonces al ahora convulsionado sin perder un átomo de su frescura original para decirnos que el arte es la única posibilidad de salvación que tiene la condición humana.
Manzur ha estudiado sin desmayo a los maestros del primer renacimiento italiano: Giotto, Cimabue, Fra Angélico, para buscar las fuentes de su color primordial, captado con visión ajena hasta el más insignificante artificio, y sustrayendo a las figuras del rígido hieratismo medieval.
Su sensibilidad y su inteligencia pictórica le han permitido desentrañar el secreto de los grandes artistas europeos de los siglos XIV, XV y XVI, para retomar su temática trayéndola desde los nichos construidos por la historia al inmediato ahora, sin menoscabar ni disminuir su potencial de asombro.
David Manzur. Nació en Neira, Colombia, 1929. Realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá y en el Instituto Pratt de Nueva York. Entre los reconocimientos a su labor artística se destacan: Premio Guggenheim de Nueva York (1961); Beca otorgada por la OEA en el Pratt Graphic Art Center (1964); Premio Segunda Bienal de Coltejer, Medellín (1970); Premio Aplauso, Bogotá, 2001. Su obra ha recorrido importantes galerías de Tokio, Washington, Madrid, Sao Paulo, Chicago, México D.F., Miami y Caracas, y ha sido expuesta en los museos de Arte Moderno de varias capitales latinoamericanas.
ENRIQUE GRAU
Enrique Grau Araujo (Ciudad de Panamá 18 de diciembre de 1920 -Bogotá 1° de abril de 2004) fue un pintor Colombiano, renombrado por sus retratos de figuras amerindias y afrocolombianos. Ganó el salón Nacional de artistas de Colombia. Grau fue miembro del triunvirato de importantes artistas colombianos del siglo xx que incluyó a Fernando Botero y a Alejandro Obregón
OMAR RAYO
Omar Rayo pintor, grabador y escultor nacido en Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia el 20 de enero de 1928, murió el 7 de Junio de 2010.
Inició su carrera artística como caricatura en 1945, en el barrio Siloé dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali y Bogotá. Desde 1948expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia. En 1954 comenzó a viajar por América Latina para estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se radicó en Nueva York por aproximadamente diez años. En 1970 obtuvo el primer puesto del Salón Nacional de artistas de Colombia.
En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Leopoldo Goout. Se exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes gráficas, además de un teatro con capacidad para 150 personas.
La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto. Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.[]
RODRIGO ARENAS BETANCOURT
Rodrigo Arenas Betancourt, nació el 23 de Octubre de 1919 en El Uvital, área rural del municipio de Fredonia, Antioquia. Muere en el año de 1995. Es uno de los escultores más famosos de Colombia y América. Muchas de sus obras son monumentos públicos.
Fue uno de los artistas colombianos más prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran en ciudades a lo largo y ancho de la geografía colombiana fue un gran escultor en serie fue el primero
PINTORES NARIÑENSES Y DE SAMANIEGO
Jaime Apráez, pintor de opulentas y misteriosas mujeres que se arrellanan en la profundidad de una rica y extravagante naturaleza, le ha abierto las puertas de su jardín a algunos hombres meritorios.
Con su sensibilidad, que une el duende del diseño y escapa a las clasificaciones, Apráez nos presenta ahora toreros asombrosos que, con finura y al ritmo de flamenco, capotean con capas exquisitas toros que parecerían desvanecerse a cada movimiento.
En su tauromaquia, en la que el toro definitivamente no es la figura central, las multitudes se convierten en tapices de azul que se riza o de ocre rojo que se desparrama: los mismos colores que Apráez acostumbra tejer alrededor de sus diosas.
Pasto, Nariño (1965)
Estudios
1990: Maestro en Artes Plásticas, U. de Nariño.
Principales exposiciones
2001: Salón Regional de Artistas del Suroccidente Colombiano, Palacio Nacional, Cali;
2002: Latín American Fine Arts., Colombia Pinta Bien, Santo Domingo, Museo del Hombre Dominicano, República Dominicana;
2004: Cien Años U. de Nariño, Pasto, Centro Cultural Palatino.
PINTORES SAMANIGUENSES
DARWIN CORDOBA
Nacido en Samaniego en 1966, dedicado a la pintura y creador del salón de arte cururo-Samaniego; a expuesto en salones de arte de Pasto, Nariño. Otros pintores son: Alfonzo Gonzales, Galo Moreno, Roiman Córdoba etc.
Bitácora:
Nombre.Hermes F. Benavides Batallas.
Fecha: domingo, 4 de noviembre de 2012, 16:30
¿Qué es la arquitectura?
Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia, De Architectura, de Vitruvio, Siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.
• Historia de la Arquitectura
• El desarrollo de técnicas por épocas.
• Algunos arquitectos.
• Tipos de arquitectura
Historia de la arquitectura
Arquitectura de la prehistoria
Las primeras grandes obras de arquitectura remontan a la antigüedad, pero es posible trazar los orígenes del pensamiento arquitectónico en periodos prehistóricos, cuando fueron erigidas las primeras construcciones humanas.
Stonehenge, el monumento prehistórico más conocido
Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra.
El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. El abrigo, como construcción predominante en las sociedades primitivas, será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos.
Arquitectura en la Antigüedad
A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban, presionadas por las amenazas bélicas constantes, la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores.
La segunda tipología desarrollada fue la arquitectura religiosa. La humanidad se confrontaba con un mundo poblado de dioses vivos, genios demonios: un mundo que aún no conocía ninguna objetividad científica. El modo en que los individuos lidiaban con la transformación de su ambiente inmediato estaba por entonces muy influenciado por las creencias religiosas. Muchos aspectos de la vida cotidiana estaban basados el respeto o en la adoración a lo divino y lo sobrenatural. El poder divino, por lo tanto, era equivalente (o aún superaba) el poder secular, haciendo que los principales edificios dentro de las ciudades fueran los palacios y los templos. Esta importancia de los edificios hacía que la figura del arquitecto estuviera asociada a los sacerdotes (como en el Antiguo Egipto) o a los propios gobernantes y que la ejecución fuera acompañada por diversos rituales que simbolizaban el contacto del hombre con lo divino.
Divisiones
Arquitectura de la Antigüedad clásica
Templo de Hefestos en Atenas: arquitectura clásica griega
Divisiones
Arquitectura de la Edad Media
El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. La idea de progreso del hombre - científico, espiritual, social - se hace un objetivo importante para el periodo. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo.
La cultura renacentista se muestra multidisciplinar e interdisciplinar. Lo que importa al hombre renacentista es el culto al conocimiento y a la razón, no habiendo para él separación entre las ciencias y las artes. Tal cultura se mostró un campo fértil para el desarrollo de la arquitectura.
La arquitectura renacentista se mostró clásica, pero no se pretendió ser neoclásica. Con el descubrimiento de los antiguos tratados (incompletos) de la arquitectura clásica (de entre los cuales, el más importante fue De Architectura de Vitruvio, base para el tratado De re aedificatoria de Alberti), se dio margen a una nueva interpretación de aquella arquitectura y su aplicación a los nuevos tiempos. Conocimientos obtenidos durante el periodo medieval (como el control de las diferentes cúpulas y arcadas) fueron aplicados de formas nuevas, incorporando los elementos del lenguaje clásico.
El descubrimiento de la perspectiva es un aspecto importante para entender el periodo (especialmente la perspectiva cónica): la idea de infinito relacionada con el concepto del punto de fuga, fue profusamente utilizada como herramienta escénica en la concepción espacial de aquellos arquitectos. La perspectiva representó una nueva forma de entender el espacio como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón. El dibujo se hizo el principal medio de diseño y es así como surge la figura del arquitecto singular (diferente de la concepción colectiva de los maestros de obra medievales). Los nuevos métodos de diseñar los proyectos influyeron en la concepción espacial de los edificios, en el sentido en que las percepciones visuales podían ser controladas y enfatizadas desde puntos de vista específicos. El poder representar fielmente la realidad mediante la perspectiva, no se limitó a sólo describir las experiencias conocidas, sino también a anticiparlas posibilitando proyectar imágenes de características realistas.
Manierismo
Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos, comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico, aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. En este momento surge el manierismo.
Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. Algunos elementos del manierismo:
§ son constantes las referencias visuales en espacios internos a los elementos típicos de la composición de espacios externos: ventanas que se vuelven para dentro, tratamiento de escaleras externas en alas interiores de edificios, etc.
§ el ya consagrado dominio de la perspectiva permite experimentos diversos que huyen al espacio perspectivo de los periodos anteriores.
Miguel Ángel es uno de los arquitectos renacentistas que pueden ser llamados manieristas.
Siglos XVII y XVIII
Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y aproximación del ideario clásico. El Barroco, en un primer momento, potencia el descontento del Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita, aunque frecuentemente posea conexiones formales con el pasado. De la misma forma que el Barroco representó una reacción al Renacimiento, el Neoclásico, más tarde, constituirá una reacción al Barroco y a la recuperación del ideario clásico. Este periodo de dos siglos, por lo tanto, será marcado por un ciclo de dudas y certezas acerca de la validez de las ideas clásicas.
Arquitectura barroca
La ostentación formal de los espacios del Barroco y del Rococó
El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que, con el avance científico representado por el Renacimiento, el Clasicismo, aunque hubiera ayudado en este progreso, no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. El Universo ya no era el mismo, el mundo se había expandido y el individuo quería experimentar un nuevo tipo de contacto con lo divino y lo metafísico. Las formas lujuriantes del Barroco, su espacio elíptico, definitivamente antieuclidiano, fueron una respuesta a estas necesidades.
El segundo contexto es la Contrarreforma promovida por la Iglesia Católica. Con el avance del protestantismo, el antiguo orden cristiano romano (que, en cierto sentido, había incentivado el advenimiento del mundo renacentista) estaba siendo suplantado por nuevas visiones de mundo y nuevas actitudes ante lo Sagrado. La Iglesia sintió la necesidad de renovarse para no perder los fieles y vio en la promoción de una nueva estética la oportunidad de identificarse con este nuevo mundo. Las formas del barroco fueron promovidas por la institución en todo el mundo (especialmente en las colonias recién descubiertas), haciéndolo el estilo católico, por excelencia.
Arquitectura neoclásica
Paralelamente, profundamente influenciados por el contexto cultural de la Ilustración europea, los arquitectos del siglo XVIII pasaron a rechazar la religiosidad intensa de la estética anterior y la exageración lujuriante del Barroco. Se buscaba una síntesis espacial y formal más racional y objetiva, pero aún no se tenía una idea clara de cómo aplicar las nuevas tecnologías en una nueva arquitectura. Insertados en el contexto del Neoclasicismo en las artes, aquellos arquitectos vuelcan en la arquitectura para los nuevos tiempos el ideal clásico.
El Neoclasicismo no pretendió, de hecho, un estilo nuevo (diferente del arte clásico renacentista). Era mucho más una reinterpretación del repertorio formal clásico y menos una experimentación de esta formas, teniendo como gran diferencia la aplicación de las nuevas tecnologías.
Arquitectura en la Edad Contemporánea
La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá, en mayor o menor grado, a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado, lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. El papel de la arquitectura (y del arquitecto) será constantemente cuestionado y nuevos paradigmas surgen: algunos críticos alegan que surge una crisis en la producción arquitectónica que permea todo el siglo XIX y solamente será resuelta con la llegada de la arquitectura moderna.
Arquitectura en el Siglo XIX
El Parlamento inglés es una de las obras más conocidas de la arquitectura neogótica inglesa
Todo el siglo XIX asistirá a una serie de crisis estéticas que se traducen en los movimientos llamados historicistas: bien por el hecho de que las innovaciones tecnológicas no encuentren en aquella contemporaneidad una manifestación formal adecuada, bien por diversas razones culturales y contextos específicos, los arquitectos del periodo veían en la copia de la arquitectura del pasado y en el estudio de sus cánones y tratados un lenguaje estético legítimo.
El primero de estos movimientos fue el ya citado Neoclásico, pero también va a manifestarse en la arquitectura neogótica inglesa, profundamente asociada a los ideales románticos nacionalistas. Los esfuerzos historicistas que tuvieron lugar principalmente en Alemania,Francia e Inglaterra por razones ideológicas, vendrían más tarde a transformarse en un mero conjunto de repertorios formales y tipológicos diversos, que evolucionarían hacia el Eclecticismo, considerado por muchos como el más decadente y formalista de entre todos los estilos historicistas.
La primera tentativa de respuesta a la cuestión tradición x industrialización (o entre las artes y los oficios) se dio con el pensamiento de los románticos John Ruskin y William Morris, proponentes de un movimiento estético que fue conocido justamente con el nombre de Arts&Crafts (cuya traducción literal es "artes y oficios"). El movimiento propuso la investigación formal aplicada a las nuevas posibilidades industriales, viendo en el artesano una figura a destacar: para ellos, el artesano no debería extinguirse a causa de la industria, sino hacerse su agente transformador, su principal elemento de producción. Con la disolución de sus ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron, en el contexto francés, hacia la estética del Art nouveau, considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.
Siglo XX: arquitectura "moderna" y "contemporánea"
Tras las primeras décadas del siglo XX se hizo muy clara una distinción entre los arquitectos que estaban más próximos de las vanguardias artísticas en curso en Europa y aquellos que practicaban una arquitectura conectada a la tradición (en general de características historicistas, típica del eclecticismo). Aunque estas dos corrientes estuvieran, en un primer momento, llenas de matices y medios términos, con la actividad "revolucionaria" propuesta por determinados artistas, y principalmente con la actuación de los arquitectos conectados a la fundación de la Bauhaus en Alemania, con la Vanguardia rusa en la Unión Soviética y con el nuevo pensamiento arquitectónico propuesto por Frank Lloyd Wright en los EEUU, la diferencia entre ellas queda nítida y el debate arquitectónico se transforma, de hecho, en un escenario poblado de partidos y movimientos caracterizados.
La renovación estética propuesta por las vanguardias (especialmente por el cubismo, el neoplasticismo, el constructivismo y la abstracción) en el campo de las artes plásticas, se abre el camino para una aceptación más natural de las propuestas de los nuevos pensamientos arquitectónicos. Estas propuestas se basaban en la creencia en una sociedad regulada por la industria, en la cual lamáquina surge como un elemento absolutamente integrado en la vida humana y en la cual la naturaleza no está sólo dominada, sino que también se proponen nuevas realidades distintas de la natural.
De una forma general, las nuevas teorías que se discuten acerca del Arte y del papel del artista ven en la industria (y en la sociedad industrial cómo uno todo) la manifestación máxima de todo el trabajo artístico: artificial, racional, preciso, finalmente, moderno. La idea de modernidad surge como un ideario conectado a la una nueva sociedad, compuesta por individuos formados por un nuevo tipo de educación estética, gozando de nuevas relaciones sociales, en la cual las desigualdades fueron superadas por la neutralidad de la razón. Este conjunto de ideas ve en la arquitectura la síntesis de todas las artes, visto que es ella quienes define y da lugar a los acontecimientos de la vida cotidiana. Siendo así, el campo de la arquitectura abarca todo el ambiente habitable, desde los utensilios de uso doméstico hasta toda la ciudad: para el arte moderno, no existe más la cuestión artes aplicados x artes mayores (todas ellas están integradas en un mismo ambiente de vida).
La denominada arquitectura moderna o movimiento moderno será, por lo tanto, caracterizada por un fuerte discurso social y estético de renovación del ambiente de vida del hombre contemporáneo. Este ideario está formalizado con la fundación y evolución de la escuela alemana Bauhaus: de ella salen los principales nombres de esta arquitectura. La búsqueda de una nueva sociedad, naturalmente moderna, era entendida como universal: de esta manera, la arquitectura influida por la Bauhaus se caracterizó como algo considerado internacional (de ahí la corriente de pensamiento asociada a ella es llamada Estilo Internacional, título que viene de una exposición promovida en el Moma de Nueva York).
Bitácora:
Nombre.Roberth Libio Rosero N.
Fecha: lunes, 12 de noviembre de 2012, 20:33
LA ESCULTURA
Al seleccionar como temática la Escultura y su historia se puede decir que ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran medida al resto de las artes , si bien con diversas particularidades en el tiempo y en el espacio debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas y materiales empleados en su confección hasta factores socio – culturales y estéticos ya que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante
Se entiende por escultura, el arte de moldear, tallar ya sea en piedra, madera u otros elementos, que el ser humano por su alta capacidad intelectual ha llegado a realizar, el arte de la belleza que quiere mostrar el escultor, expresando sus habilidades y emociones, formando un volumen y espacio en lo que se entiende como arte, en las técnicas artísticas que emplea el autor.
En la prehistoria el hombre comenzó a realizar sus tallados en relieve en busca de encontrarles forma a sus figuras, plasmando unos gravados en relieve en piedras y hasta huesos de animales, por lo tanto el hombre fue evolucionando hasta encontrarse con un avance importante, el poder trabajar con el metal, luego el bronce y después el hierro así logrando construir sus propias herramientas más eficiente para obtener facilidad de construir nuevas esculturas.
Creo que el hombre por medio de estas esculturas artísticas ha manifestado, muchos adelantos en lo que ha querido mostrar de sus avances, como lo son las esculturas representadas, en los rasgo humanos, como la cabeza, nariz, labios, ojos la forma de vestir y su dialecto en particular, esto ha hecho que el individuo sea reconocido por otras etnias, como también en otras obras que son representadas esculturas novedosas extractas a un público en general.
En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico. En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la escultura. Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo, Miguel Ángel), un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente, esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos escritores para poner de relieve el contraste entre escultura y pintura. En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un escultor que no haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.
Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (cera, arcilla, yeso). El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque. Ahora bien, el modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El modelo es parte del proceso que lleva a la idea final. El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo.Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura. Se comprende mejor la escultura al saber cómo se ha realizado la obra, al conocer la técnica empleada. El resultado no se produce por azar, es la culminación de un procedimiento. El contemplador debe sentir curiosidad, y no ha de conformarse con las consecuencias extraídas de la mera apreciación visual.La mayoría de las herramientas son punzantes o cortantes. El artista ataca la materia presionando la herramienta directamente o golpeándola con un martillo. Frente al esfuerzo mental que guía al pincel del pintor, el esfuerzo del escultor es fundamentalmente físico. A la lucha con la dureza del material hay que añadir la incomodidad que supone moverse en torno del bloque y accionarlo con las manos. El escultor, frente al pintor, es un «obrero». Ésta es la razón que adujeron los detractores de la escultura para separarla de las artes liberales. Pero lejos de desacreditarla, la materialidad del esfuerzo es algo que ennoblece a la escultura. Sin duda, esto determina que el porcentaje de escultores sea escaso si se compara con el de aquellos que se consagran a actividades artísticas menos esforzadas.Son diferentes las herramientas con que se trabaja un material blando y uno duro. Madera y mármol cuentan con herramientas propias. La primer tarea es el desbastado, o eliminación de grandes masas de materia. Al principio se procede con golpes rápidos y certeros, ya que se desbasta materia claramente alejada de la figura que se quiere alcanzar. Esta operación se hace en la piedra y en el mármol mediante el puntero, instrumento puntiagudo, que horada y desportilla. Se prosigue con cinceles que son instrumentos cortantes de filo recto, y con gubias, cuyo corte es en cambio curvo, lo que permite ir formando las superficies convexas y cóncavas. En escultura de mármol y piedra se usa el cincel dentado, que tiene dientes puntiagudos o rectos. Esta herramienta deja en la superficie surcos de gran extensión y permite un desbastado próximo a la forma definitiva; ya deja entrever el volumen y la sombra. En ocasiones hay que practicar excavaciones profundas. Para ello está el taladro, que actúa a percusión, con una punta larga. Los griegos descubrieron un instrumento muy adecuado para la talla del mármol: el trépano, especie de berbiquí, que hace girar una punta de acero aplicada a un lugar concreto. El trépano deja la huella de un agujero. Está recomendado para ciertas partes, como las fosas nasales, el interior del oído, las barbas y cabellos, donde el uso de instrumentos de corte a percusión es inadecuado, porque el material se rompe. Curiosamente, el trépano es instrumento poco usado, pero se han servido de él grandes artistas como Miguel Angel y Bernini. Las perforaciones y cortes profundos están presentes ya en la estatuaria del período helenístico.
Las superficies han de ser alisadas. En la madera se hace esto con limas, escofinas y lijas; y en el mármol se acude a la piedra pómez, al esmeril y a todo género de «abrasivos», es decir, materiales con que se frota insistentemente la superficie hasta dejarla brillante. Este alisado de las superficies es una tarea puramente mecánica y puede ser confiada a un colaborador, pero es una operación importante. La estatuaria egipcia ofrece solemnes imágenes de granito cuya superficie reluce suntuosamente merced al trabajo de verdaderos equipos. El espectador tiene que reconstruir mentalmente el procedimiento implícito en estas obras. Salidas de un taller áulico, en el acabado intervienen legiones de artesanos puliendo las superficies. Y no han de olvidarse los medios auxiliares como la «máquina de sacar puntos». En escultura es del todo imprescindible servirse del modelo, es decir, de una escultura, pequeña o grande, que ofrece la forma y el volumen que ha de tener la obra definitiva. Una vez elegido el bloque en que ésta ha de ser labrada, el escultor tendrá que desbastarlo. Pero ¿dónde aplicar el golpe para «quitar»? Hay procedimientos científicos, con compases y reglas, pero es especialmente inestimable la ayuda de la máquina de sacar puntos, empleada ya por los griegos. En rigor, esta «máquina» no es más que una caja de varillas ortogonales, a las que se sujetan puntas o agujas. Se eligen puntos determinados, que se fijan en la caja y en el bloque. De esta suerte, el escultor atacará el bloque con seguridad, desbastando con el puntero y los cinceles y guiándose por la frontera de puntos, hasta definir el bulto. Naturalmente, es imposible determinar, ante una escultura, si se ha empleado o no tal máquina, pero, de todos modos, conviene saber que es un procedimiento absolutamente lícito, que pertenece a la trayectoria técnica de la escultura.
La elección del material es un hecho trascendental. Puede obedecer a una exigencia del cliente, pero también a la decisión del artista. Hay materiales suntuarios, como el oro y la plata, escogidos frecuentemente con finalidades de culto o de representatividad política. Se puede hacer una buena escultura con cualquier con cualquier material, pero no hay duda de que la apreciación de la obra está condicionada en parte por él. En un edificio de austero granito como el monasterio de El Escorial, la zona del presbiterio, donde se combinan mármoles de colores y bronces dorados y esmaltados, produce la sensación de algo sobrenatural, de que nos hallamos ante la presencia divina.
El mármol es por antonomasia el material de la escultura desde la antigüedad clásica. Aunque los hay de diversas especies, el de color blanco es el más preciado. Los grandes escultores han procurado elegir personalmente los bloques, pues cualquier tara que posean afectará a la escultura. Su dureza hace que tolere los golpes del cincel sin que se produzcan fisuras falsas y que la talla resplandezca con autenticidad, porque es imposible ocultar los defectos. El mármol somete a examen la capacidad creadora del escultor. Es materia con la que puede lograrse casi todo; a despecho del color albo, el tratamiento de la superficie permite crear sombras y todo género de matices, y provocar asimismo sensación de tersura o, por el contrario, de morbidez.
El alabastro es en cambio materia blanda. El escultor agradecerá la facilidad con que penetra el cincel, pero tendrá que lamentar su naturaleza quebradiza, ya que, al revés del mármol, se desportilla y araña. El mármol cierra sus poros, definiendo los volúmenes; el alabastro, por su translucidez, nos muestra el interior. Así como la blancura del mármol nos traslada al mundo de lo ideal, el tono amarillento del alabastro aproxima la estatua a la vida. A causa de la pátina que suele tener, el mármol puede ser tomado a veces por alabastro. Los buenos escultores también exigían que los bloques de alabastro fueran limpios y compactos. Como se ve, no es muy grande la diferencia entre los dos materiales, y el alabastro presenta la ventaja de exigir menos esfuerzo en la talla y ser más barato.
También es blanda la caliza; en ocasiones se corta con una navaja. La pátina que el tiempo deposita en la superficie no deje de ser una protección, pero está demostrado que se usaron materiales endurecedores sobre las superficies recién talladas cuando las obras de destinaban a la intemperie. Así se procedió en las fachadas del Colegio de san Gregorio y de la iglesia del convento de San Pablo, en Valladolid. Con frecuencia se pinta la caliza con tonos suaves, como se hacía en Coimbra, que ha dado una notable escuela renacentista de escultura en caliza policromada. La caliza da facilidades a la talla para la obtención de efectos de gran verosimilitud. Lo mismo ocurre con la piedra litográfica, que por su finísimo grano concede al escultor la posibilidad de expresarse en un lenguaje puramente lineal.
Virtudes muy dispares presentan las piedras de grano grueso, como el granito. El escultor ha de sintetizar, evitando expresarse con aristas: la redondez le invita al acabado compacto. Aunque no pueda concluirse que el granito sea lo que ha determinado la forma maciza de la estatuaria egipcia, no hay duda de que los conceptos que regían aquella estatutaria encontraron en este material un digno complemento. Dicho de otro modo: el material más rebelde, el granito, y la talla dulce, brillante y pulida permitieron conseguir esas imágenes de eternidad. Idea, material y forma han logrado la más completa armonía.
Las maderas duras (nogal, caoba, boj) están especialmente indicadas para una talla minuciosa, que permita examinar la gracia de las vetas. El escultor ha de aprovechar el natural diseño de la estructura lignaria y podrá obtener armoniosos efectos combinando los vetados
La madera ha buscado asiduamente el entendimiento con la pintura. La policromía puede ocultar totalmente la materia, hasta el punto de que el espectador no pueda determinar cuál es el soporte de la obra, mas el verdadero escultor debe ejecutar la obra de tal suerte que ya en su desnudez muestre ésta sus calidades; no debe confiar en que el policromador la mejore; en todo caso, la pintura será un complemento, el justo y necesario. Cuando por alguna circunstancia la escultura pierde la capa de color, pone de relieve la importancia de esta cuestión. La pintura de imágenes constituyó una especialidad, y muchas veces en manos de ilustres pintores. Francisco Pacheco policromó esculturas de Martinez Montañés. La escultura policromada debe ser una suma de escultura y pintura. Decía Pacheco que en una cabeza encarnada por él coincidían dos artes: la talla de un gran escultor y el retrato de un buen pintor. El policromador utiliza las concavidades para producir sombras y el encarnado robustece las formas. Asimismo, la fuerza y el grosor de las venas cobran más potencia cuando el pincel ha recorrido el saliente aplicando una tonalidad propia del vaso sanguíneo. Por esta razón resulta difícil establecer lo que es plástica y lo que es pintura cuando se está delante de una escultura policromada. La buena policromía se adapta a la escultura, no la niega ni la desvirtúa. Lo que sí parece claro es que la verosimilitud, es decir, la sensación de que una escultura se asemeja a un ser real, es más fácil conseguirla con una escultura policromada. Pero nunca una escultura policromada auténtica debe ser considerada como pintura, porque su esencia sigue siendo el volumen, el espacio ocupado.
Otras colaboraciones se ha procurado el escultor. A la policromía se añaden los «postizos»: uñas de cuerno, dientes de pasta, ojos de cristal, lágrimas de resina, pestañas naturales y toda la indumentaria imaginable, tanto de la moda popular como de la refinada. La Virgen luce grandes sombreros, lleva miriñaque y pañuelos de encaje; cuando es preciso enlutarla, se acude a una basquiña negra. Y lo mismo Cristo, que camino del calvario viste una túnica de paño de color morado. En los Nacimientos napolitanos la escultura exhibe los caprichos de la moda en medio de paisajes nutridos y árboles, con gente que acude a la taberna o se calienta junto a una hoguera.
También se consiguen buenos resultados combinando diversos materiales, generalmente mármoles de diferentes colores y atributos de bronce dorado
El barro cocido es el material apto para los bocetos, aunque también puede remontarse a obra sublime; con él se han realizado esculturas de tamaño natural. Las estatuas de los frontones etruscos implicaron grandes dificultades de ejecución por su tamaño. Se cuenta que algunas eran tan grandes que una vez cocidas no se podían sacar del horno, y por tanto era preciso destruir éste. Pero en realidad no se trata sólo de habilidad técnica; no hay material humilde si las manos saben ennoblecerlo. El barro cocido, por su plasticidad, es terreno adecuado para lograr efectos realistas. Las arrugas, los cabellos, el modelado de los pliegues, todo puede alcanzar acusada verosimilitud. El barro cocido esmaltado, con blanco o con diferentes colores, y también la porcelana fina, son idóneos para la creación de grupos pintorescos, generalmente de pequeño tamaño.
La cera, que también se emplea en la preparación de bocetos, es material que solicita lo menudo, la escultura en pequeño. Con ella se han creado escenas de vitrina o «escaparate». la minuciosa obra del escultor en cera recibe el auxilio del policromador; hay una cercanía muy grande entre la escultura y la pintura en estas vitrinas con escenas de cera pintada. Son obras de interior, de gabinete, piezas hogareñas
El bronce posee un historial prestigioso. Es una materia duradera, costosa, y exige una técnica difícil. Mármol y bronce han sido los materiales preferidos en las obras de los centros áulicos y religiosos, son sustancias apropiadas para dioses y reyes. La técnica del bronce presupone una larga investigación vinculada a la industria: es un arte que participa de la metalurgia, ciencia del metal. El bronce conviene al retrato y al grupo escultórico, desafía sin riesgo los rigores de la intemperie, pues su herrumbre le proporciona una capa protectora, y está unido a la idea de riqueza y poder. Por eso busca los lugares públicos. El contemplador debe saber que la obra ha nacido en medio de las mayores angustias en el horno del fundidor y que el saber y la ciencia han colaborado con el artista. Cellini se emociona al narrar la operación del fundido del Perseo. La fase preparatoria es la del modelado; luego se hacen los moldes y se pasa al vaciado. El escenario de trabajo en nada se parece al taller de un artista, tiene un aspecto industrial: crepita el horno, se enrarece la atmósfera y, al entrar en el molde el bronce fundido, los agujeros exhalan gases que invaden el recinto. Una vez extraída la figura, se realiza el pulido, el retocado con buriles, el dorado y el bruñido. Al final parecerá una pieza de oro.
El oro y la plata, por ser metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario. Será escultura en tamaño pequeño pero dotado del cariño de lo menudo. El orfebre también puede ser escultor, como lo era Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño pequeño en la que el valor intrínseco es inseparable del valor artístico. Así, cuando el oro y el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.
Hay además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa. Llega un momento en que pierden la significación original, y, depurados, quintaesenciados por su duración histórica, resultan atributos esenciales de determinados géneros. Es lo que ocurre con el jade, material sagrado en extremo Oriente, o con el azabache, con el que se fabricaron tantos exvotos en la Edad Media. Nadie puede pensar en una imagen antigua de Santiago apóstol o una venera de la peregrinación que no fuera de azabache. Y lo mismo puede decirse del cristal de roca, materia con que se ha expresado el arte cortesano de la Europa barroca; y del marfil, destinado a objetos pequeños, depurados, en que se adora a Dios o al rey.
La arquitectura del siglo XX ha revolucionado el uso de materiales. La primera circunstancia es la variación de combinaciones, de suerte que es fácil apreciar el juego múltiple y asociado. Por otro lado alternan los materiales brillantes y los rugosos. Los brillantes tiene mucho que ver con la producción industrial. Son, sobre todo, aceros inoxidables. El hormigón adquiere un gran protagonismo, tanto el hecho a molde como el que se presenta en bloques tallados. En el primero se aprecia la huella del encofrado. El hierro se ofrece fundido o en planchas cortadas y soldadas. la escayola, la tela encolada, el cartón, el plexiglás y todo género de plásticos y materiales acrílicos se prestan a infinitas variantes, a lo que hay que sumar la disposición giratoria de algunas combinaciones, alternando con la luminotecnia
1. 40 PRINCIPALES ESCULTORES
2. 1.PRAXITELESPraxiteles de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto.Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos, incluyendo a Plinio el Viejo, escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios.
3. OBRAS IMPORTANTES: Hermes con el niño Dionisos. Es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros y que se encuentra en el Museo arqueológico de Olimpia. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología griega.
4. Afrodita saliendo del baño.Se trata del primer desnudo integro femenino del arte griego. Se produjeron infinidad de copias. Mide alrededor de 2.05cm.
5. Apolo Sauróctono.Representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol. Aparece representado en monedas de Nicópolis. Hay varias copias de este original perdido, entre las que destacan la de los museos Vaticanos y la del museo del Louvre.
6. 2.POLICLETOPolicleto fue un escultor griego en bronce del siglo V y principios del siglo IV a. C. Junto con los famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce, aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de Argos.Los intelectuales griegos alabaron su dedicación pedagógica ,que le llevó a escribir un libro técnico,titulado El kanon,en el que exponía la proporción perfecta del cuerpo humano.
7. OBRAS IMPORTANTES: Doríforo.Realizada entre los años 450 y 445 a. C., identificable como una representación idealizada del mítico héroe Aquiles. Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo.
8. Diadúmeno.Es una estatua del siglo V a. C. La estatua original fue realizada en metal, seguramente en bronce, pero en la actualidad sólo se conservan copias de piedra caliza y mármol.Representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta de la victoria.
9. Hermes Ingenui.Es una copia romana del original griego del siglo V a. C., museo Pío-Clementino, Vaticano.
10. 3.MIGUEL ANGELMiguel Ángel, (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
11. OBRAS IMPORTANTES:Virgen de la Escalera.Es una escultura en relieve de mármol del escultor Miguel Ángel, datada hacia 1491 y que se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia. La obra incabada tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm.
12. Piedad.Es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
13. David.Es una escultura de mármol blanco de 517 cm. de altura realizada entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
14. 4.BERNINIGian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Dominó todas las artes pero sobre todo la escultura. Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.Son de este período el Ángel con el dragón y el Fauno che scherza con gliAmorini. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de Giovani Vigevano para sendas iglesias. Entre 1621 y 1625 Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese.
15. OBRAS IMPORTANTES: Éxtasis de Santa Teresa. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.
16. David.Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
17. Apolo y Dafne.Es una estatua realizada entre los años 1621 y 1624. Pertenece al estilo barroco.Se trata de una escultura a tamaño real de mármol, expuesta en la Galleria Borghese en Roma.Representa el mito de Dafne, nombre que en griego significa laurel. Era una ninfa hija del dios-río Peneo. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó para evitarlo; entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó en un laurel.
18. 5.DONATELLODonatello (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». Entre sus obras más importantes destacan el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia….
19. OBRAS IMPORTANTES: David.Es una escultura de bronce de 158 cm de altura. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Museo del Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana.
20. Monumento ecuestre al condottiero Gattamelata.Es una estatua en bronce de Donatello, situada en la Plaza del Santo en Padua. Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento. Es la primera estatua en honor de un guerrero de todo el mundo moderno.
21. Púlpito exterior de la catedral de Prato.Compuesto de mármol, bronce y mosaico, se encuentra en la parte sureste de la catedral de Prato (los relieves originales se encuentran en el Museo dell'Opera del Duomo (Prato)). El púlpito tiene una medida de 210 cm de altura hasta el tejado.
22. 6.ANTONIO CANOVASAntonioCanova (Possagno, Italia, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor italiano y el mayor representante del movimiento neoclásico .Hijo y nieto de canteros ,rechaza ya en sus primeros trabajos la idea del artesano gremial a favor del artista creador. Se marcha a Roma para estudiar los modelos del a antigüedad clasica.Otra clave de su estilo es la calidad sensorial que transmite a sus estatuas ,apoyada en un lustroso acabado que luego patinaba con piedra pómez ,desvaneciéndose así el tópico de frialdad, con el que se catalogaba cualquier escultura neoclásica.
23. OBRAS IMPORTANTES:Las tres Gracias.Es una de las obras más reconocidas del pintor italiano. Estas figuras encarnan y representan el desnudo femenino de una manera perfecta que pone de manifiesto la destreza artística de Canova. Además la representación de Las tres Gracias va más allá porque el escultor consigue reflejar en esta composición mitológica el mundo interior de las Gracias.
24. Psique reanimada por el beso del amor.También llamada El amor de Psique o El beso, es una escultura de mármol de estilo neoclásico que representa a Cupido y Psique.Fue elaborada, en 1787 pero no fue terminada hasta 1793.
25. Paulina Bonaparte.Aparece recostada semidesnuda sobre un diván y efigiada como Venus victoriosa .
26. 7.RODINAuguste Rodin (París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno».
27. OBRAS IMPORTANTES:Las Puertas del Infierno.Es un monumental grupo escultórico. Mide 6,35 m de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y más de un 1 m.La iconografía está basada en La Divina Comedia de Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra Las flores del Mal, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena.
28. El Pensador.Es una escultura de bronce. La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. El pensador, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno, ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
29. El Beso.Apareció originalmente entre un grupo de relieves decorando la monumental puerta de bronce de la mansión Cozzi, Las Puertas del Infierno, para un nuevo museo de artes decorativas en París. La pareja fue más tarde separada de las puertas, aunque se reemplazó con una pareja de amantes en la columna inferior derecha. Antes de crear la versión en mármol, Rodin produjo varias esculturas menores en yeso, terracota y bronce.
30. 8.GREGORIO FERNANDEZGregorio Fernández (1576 - 22 de enero de 1636), escultor español, máximo exponente de la Escuela de Valladolid, heredero, pues, de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni. De origen gallego (nació en Sarria), se instaló en Valladolid atraído por la corte entre 1601 y 1606. Tuvo un gran taller con varios aprendices y colaboradores. Su realismo, un tanto recio, pero no vulgar ni morboso, se aprecia en la honda expresión de los rostros, en la forma de destacar las partes más significativas y en los elementos que añade (postizos) para aumentar la sensación de autenticidad: los ojos son de cristal, las uñas y los dientes de marfil, los coágulos de sangre son de corcho, las gotas de sudor y las lágrimas son de resina…. Sin embargo, se muestra refinado en el tratamiento anatómico, en la sencillez de sus composiciones y en la contención de los gestos. Es muy característica su forma esquemática de tratar el drapeado, con pliegues rígidos, puntiagudos y acartonados.
31. OBRAS IMPORTANTES:Cristo Yacente.Aparece con la cabeza reclinada encima de una almohada y reposa extendido sobre las sabanas.Realizado con madera policromada. Mide 1.55 cm.Esta situado en el Convento de los Capuchinos. El Pardo. Madrid.
32. Piedad Jesús reposa sobre la Virgen, que implora auxilio alzando la mano y su mirada a los cielos. La obra fue encargada por la Cofradía Penitencial de las Angustias y sirvió como paso procesional. Realizado con madera policromada. Mide 1.75 cm.Esta situado en el Museo Nacional de Esculturas Policromadas, Valladolid.
33. Cristo atado a la columna.Realizado con madera policromada. Mide 1.77 cm.Se encuentra en la Iglesia penitencial de la Vera Cruz, Valladolid.
34. 9.JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉSJuan Martínez Montañés (Alcalá la Real (Jaén),1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español a caballo entre el arte del Renacimiento y el barroco. Aunque existen referencias de que en su fase inicial trabajó la piedra, su material preferido fue siempre la madera policromada. En el campo de la policromía contó con la colaboración de grandes pintores, entre los que destaca Francisco Pacheco.Casi toda su obra es de carácter religioso. Fue el máximo exponente de la denominada escuela sevillana de imaginería, en la que tuvo como discípulo predilecto al cordobés Juan de Mesa. Su arte se inspiró en el natural y su producción tiene unas características más clasicistas y manieristas que propiamente barrocas, aunque al final de su carrera apuntó al realismo barroquizante. Fue creador de un lenguaje sereno y clásico que transmitiría a toda la escuela andaluza y que contrasta con el apasionamiento y mayor dramatismo de la escuela de Valladolid.
35. OBRAS IMPORTANTES:Cristo de la Clemencia.Realizado entre 1603-1606.Situado en la sacristía de la catedral de Sevilla.
36. Inmaculada “la Cieguecita”Aparece como una Virgen niña, que junta las manos en actitud de orar y descansa sobre una peana de querubines, guardando una composición trapezoidal. Se le llama popularmente “La Cieguecita” por tener la mirada baja y los ojos entornados.
37. Santo Domingo penitente. La policromía fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli, hoy en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.
38. 10.ALEXANDER ARCHIPENKOOleksandrPorfírovich Arjípenko (Kiev, Ucrania, 30 de mayo de 1887 - † Nueva York, 25 de febrero de 1964) fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia. Asociado con el cubismo, Arjípenko se alejó de la escultura neoclásica de su época y usó el espacio negativo para crear una manera nueva de mirar a la figura humana, mostrando simultáneamente una serie de puntos de vista del sujeto. Se le conoce por haber introducido vacíos escultóricos, y por su invención de mezclar géneros a lo largo de su carrera: diseñando «escultor-pinturas», y más tarde experimentando con materiales tal como acrílico claro y terracota.
39. OBRAS IMPORTANTES: MujerAndando. La escultura aparece configurada por varios huecos contorneados por perfiles solidos.Fundida en bronce .Mide 67.5 cm.Se encuentra en el Museo de Arte.Denver,Estados Unidos.
40. Carrousel Pierrot.La figura esta realizada con yeso pintado. Mide 60.96 x 48.58 x 33.97 cm.Se encuentra en Guggenheim Museum .Nueva york.
ESCULTURAS DEL MUNDO
Artemisa cazadora, llamada "Diana de Versalles". Nemi. Adaptación romana inspirada en un original creado hacia 330 antes de C., por Leochares (?).
Bitácora:
Nombre.Jairo Erney Melo López.
PINTURA
Como docente activo desde 1983 presto mis servicios en el centro educativo Turupamba y me gusta realizar mis trabajos artísticos con mi firma como aparece cesj.
He realizado pintura en oleo, acuarela, fotografía, carboncillo, escultura, tallado, fui estudiante de la escuela de artes plásticas en el Instituto de Cultura y turismo de mi pueblo, y al finalizar cada nivel realizábamos exposiciones, entre ellas están:
cerámica
Tutor y compañeros, el tema que se me asigno es en cuanto a la música, el lugar escogido es mi pueblo Samaniego Nariño, es conocido como la ciudad paisaje y cultural del departamento, cada año en el mes de agosto se realiza el concurso nacional y departamental de bandas musicales, encuentro de tríos y danzas internacionales hemos contado con la presencia de representantes de México, Venezuela, Ecuador, Perú, Bolivia, Argentina, Chile Brasil, etc. esto Uds. ya lo conocen porque está contenido en un trabajo anterior y si tienen las posibilidades de visitarnos por acá los estaré invitando a degustar y deleitarse del delicioso plato típico ¡cuy sabor!
Vemos que la estética es una disciplina de las ciencias sociales que se ha encargado de estudiar los avances de la estética a lo largo de la existencia del ser humano, es una rama de la filosofía que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del ser humano, interpreta los estímulos sensoriales del mundo que le rodea. En donde se puede manifestar que la estética estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos que percibimos objetos como la belleza o los juicios de gusto y las distintas maneras de interpretarlos puesto que lo estético va de acuerdo al interés y al gusto de cada individuo. Por lo tanto, la estética está íntimamente ligada al arte y al estudio de las manifestaciones culturales y sociales. En cuanto al tema de la música es importante conocer sobre su historia para más tarde tratar como se vive con la música en mi región.
La música se encarga del estudio de las diferentes tradiciones musicales en sus diferentes épocas y en cada región y es así que toda cultura del mundo tiene alguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita a Occidente, donde se ha utilizado la expresión «historia de la música» para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo occidental. La música de una determinada cultura está estrechamente relacionada con la organización económica, el desarrollo técnico, al grado cultural, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas de cada autor. En términos generales la música nace con el ser humano y es una manifestación cultural universal. Sería un trabajo extenso al ponernos hablar de la música en la prehistoria, en el mundo antiguo, en la edad media, del renacimiento, práctica común o clásica, moderna y contemporánea,
Está demostrada la íntima relación entre el hombre y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo en las diferentes faenas que realiza.
El hombre primitivo utilizaba rituales en que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
Los primitivos percibían la música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a utilizar objetos rudimentarios que encontraba en la naturaleza como huesos, cañas, troncos, conchas, piedras, palos que tocándolos o soplándolos producían sonido que les agradaba.
“Es evidente que en la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres”.
a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por ejemplo.
b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos: de cuerda, el arpa.
d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con agujeros.
Por eso Platón sostenía que la forma o la esencia de la belleza es cognoscible, exacta, racional y mensurable. Consideraba que las simples formas geométricas, los meros colores y las notas musicales poseen todos ellos una «belleza intrínseca» que provoca un placer puro y «sin mezcla» en el espectador, y que es independiente del contexto.
Cuando Juan Kepler exploró las armonías cósmicas tomando en consideración la teología y la filosofía, así como la música o las matemáticas. El descubrimiento de lo que luego se conoció como su tercera ley, los cuadrados de los períodos de dos planetas cualesquiera son proporcionales a los cubos de los semiejes mayores de sus respectivas órbitas: T ~ a3/2, sirvió para confirmar su antigua convicción de que el universo está diseñado de acuerdo con relaciones ideales armónicas.
Además Kant, en su teoría de la excelencia estética, no sólo insiste en que la única cosa relevante para determinar la belleza de un objeto sea su apariencia, sino que también lo es su forma, su diseño: en el arte visual, no los colores, sino el diseño que componen los colores; en música, no el timbre de los sonidos individuales, sino la relación formal entre ellos.
Para Maximiliano Scheler los valores son esencias objetivas, aunque no platónicas. Su objetividad es intuitivamente accesible en la experiencia inmediata y los sentimientos, como cuando nos limitamos a oír ciertos sonidos y experimentamos la belleza de la música.
Es importante resaltar que en nuestro municipio las administraciones departamentales, municipales y los concejales deben presupuestar los recursos necesarios para mantener y promover los aspectos culturales como fiestas patronales carnavales de negros y blancos, concurso departamental y nacional de bandas musicales, el encuentro de tríos y danzas. En la actualidad existen escuelas de música y danzas donde niños y jóvenes permanentemente se capacitan para representar nuestro municipio en otras regiones del país como en Paipa Boyacá, San Pedro valle y Anapoima Cundinamarca
Las bandas musicales y los tríos, se definió como una armonía musical compuesta por varios músicos en donde la ritmicidad y el toque artístico de los instrumentos percusión, de cuerda y de viento sea posible integrar y afinar: las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la composición de melodías.
Es importante que como latinoamericanos y colombianos nos debemos preocupar por conservar lo nuestro, que nuestras costumbres no se pierdan y se nos pegue la música extranjera porque ya no se escucha los bambucos, torbellinos, las guabinas, pasodobles y lo que era hermoso las serenatas de los enamorados con tríos y mariachis.
|
tallado
Bitácora.
Nombre: Carlos Eduardo Santander J.
Fecha: martes, 13 de noviembre de 2012, 18:04
LA DANZA EN MI PUEBLO
Para iniciar hago un recuento acerca de la danza a nivel históricoLa historia de la danza se remonta desde los orígenes del hombre.
Las primeras danzas eran de carácter religioso-divino, generalmente de adoración y veneración a las dioses de cada pueblo o tribu, se danzaba para la lluvia, sol, animales, etc.
Se danzó siempre en torno a todo lo que definía la vida del hombre. Ya después, en la antigüedad en Egipto y en Grecia la danza comenzó a ser un poco más deleite de los observadores en ceremonias y fiestas. Aparecen las primeras bailarinas. Poco a poco la danza empieza a tomar una importancia diferente dentro de la vida social.
En la edad media, encontramos las primeras discrepancias hacia la danza por parte de la iglesia católica, ya por ser ésta de carácter sexual y pagana según la iglesia, pero por otro lado ésta la optimiza por toda Europa para sus ceremonias de forma de culto y sobretodo en cambios de estación. Carlomagno prohibió todo tipo de danzas, pero se danzó igual ilícitamente.
El Renacimiento es el esplendor del hombre al arte y con esto la danza vuelve a florecer con más fuerza entre las personas, nace el Ballet en Italia y Francia se encarga de darle el lugar que ocupo unos siglos más y de ser hasta hoy la danza base de toda las danzas.
Siglo XX la danza se centra en la fusión de otras danzas y emplea muchos más los límites del clásico ballet, nace con fuerza la danza contemporánea, la mezclas ritmos africanos, latinos y danzas de la calle surgen danzas como jazz, break-dance, hip hop, salsa, etc.
DANZA Y BAILE.
La danza tiene una estrecha relación con el baile, la danza es una expresión artística corporal capaz de transmitir un mensaje o historia a través de sus gestos corporales y gestuales; por su disciplina no todos podemos danzar, esta requiere de dedicación, responsabilidad y mucho tiempo para sus ensayos; en cuanto al baile cualquier personal o puede hacer porque éste no requiere tanta disciplina, pues el baile generalmente es una manifestación de gusto y alegría.
Aún en nuestros días existen la danza y el baile como expresiones culturales y artísticas y el sentir de un pueblo a través de la danza como se expresa en los diferentes eventos culturales que son en si danzas concretasde los pueblos, ya que tienen una finalidad bien determinada. Y serán danzas abstractas aquellas que realizamos por inercia social, y más específicamente las danzas de "discotek" en donde cada quién danza como quiere (o como puede) sin importar si está o no con pareja o acompañante y si lo ven o no lo están observando, en muchos de los bailes "modernos" que se ejecutan en la actualidad, lo hacen aún sin llevar ni ritmo ni compás.
Aún en nuestros días existen la danza y el baile como expresiones culturales y artísticas y el sentir de un pueblo a través de la danza como se expresa en los diferentes eventos culturales que son en si danzas concretasde los pueblos, ya que tienen una finalidad bien determinada. Y serán danzas abstractas aquellas que realizamos por inercia social, y más específicamente las danzas de "discotek" en donde cada quién danza como quiere (o como puede) sin importar si está o no con pareja o acompañante y si lo ven o no lo están observando, en muchos de los bailes "modernos" que se ejecutan en la actualidad, lo hacen aún sin llevar ni ritmo ni compás.
Bailes populares
Para adéntrame en la danza en mi municipio debo reconocer que en mi región siempre ha existido eventos culturales y encuentros a nivel departamental, nacional e internacional como lo se exprese en los anteriores trabajos aquí en mi pueblo hay música y encuentros de tríos, bandas en todas categorías infantil, juvenil y mayores, encuentros de danzas regionales, departamentales, nacionales e internacionales es así que mostrare algunas evidencias de estos eventos
En Samaniego Nariño también contamos con dos escuelas de danzas que en su corta vida han logrado muchos reconocimientos a nivel nacional e internacional, cada uno de los integrantes son niños y niñas que desde los cinco años ingresan a las escuelas hasta los 16 o 17 años de edad cuando tiene que salir por sus estudios universitarios.
Es estas escuelas utilizan el tiempo libre para las practicas o ensayos, sus maestros son dedicados, innovadores, investigadores para las reseñas cada una de sus presentaciones.
La Escuela Renacer Andino, está dirigida por el especialista Haiver Acosta y la escuela por la señora Rubí Santander de Erazo.
Grupo de danzas proyección folclórica dancemos en los diferentes escenarios a nivel internacional
Cochabamba Bolivia
-El arte es una parte fundamental de la estética y se manifiesta atreves de la pintura y la escultura.
-La pintura, la danza, la música y la escultura es un arte de expresarse visualmente, corporalmente y auditiva-mente.
-La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco y temple) o de oleo y al pastel e igualmente puede clasificarse según su género: retrato, paisaje y bodegón etc. La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.
BIBLIOGRAFIA
